Glosario de animación

Todas las palabras que usamos en los talleres de MOMO, explicadas en una o dos frases. Busca un término o recorre el índice de la A a la Z.

Acción a acción — La transición más común: muestra el inicio y el resultado de una acción sin todos los intermedios.

Acción principal — La acción que define lo que hace el personaje en un momento dado. El cuerpo principal la ejecuta; todo lo demás es movimiento secundario.

Acción secundaria — Movimientos que apoyan a la acción principal sin competir con ella: el cabello que se mueve, una mano que acomoda la ropa. Apoyan, no distraen.

Acción, percepción, reacción — El orden en que un personaje responde a algo: primero ocurre la acción, luego el personaje la percibe y solo después reacciona. Si la reacción llega al mismo tiempo que la acción, el público no sabe cuál es la causa.

Acting — La capacidad de un personaje de expresar una emoción, una intención o un estado con el cuerpo y las acciones. No necesita una cara: vive en la velocidad de los movimientos, en las pausas y en las poses. La misma acción física tiene un timing distinto según la emoción del personaje.

Alambre de aluminio — El material base del esqueleto de la marioneta, normalmente de 1,5 a 2 mm. No tiene memoria: se dobla y se queda en la posición que le das.

Aleatoriedad controlada — Usar el azar (random, noise) de forma deliberada dentro de un sistema con reglas claras: el resultado varía, pero no se vuelve caos.

Análisis de referencia — Estudiar una referencia real (un video, tu propio cuerpo actuando la escena) para entender poses, timing y peso, y luego interpretarla. No se calca: se extraen las decisiones y se exageran.

Animación limitada — Un estilo que reduce la cantidad de dibujos: holds largos, partes del cuerpo animadas por separado, pocas bocas. Nació con UPA y Hanna-Barbera y sigue vigente en el anime y en series como Rick y Morty. Bien usado es una decisión estética, no una falta de presupuesto.

Animar a doses — Dibujar un frame nuevo cada dos fotogramas en un archivo de 24 fps: 12 dibujos distintos por segundo, cada uno visible dos frames. No es lo mismo que cambiar el archivo a 12 fps.

Animar la relación — En una escena de dos personajes, lo que se anima no son dos cuerpos por separado sino lo que pasa entre ellos: la distancia, quién domina el cuadro, quién reacciona a quién.

Animatic — El storyboard montado en el tiempo, con duración por plano y, si existe, sonido. Es la primera vez que la película tiene ritmo, y donde se corrigen problemas de timing antes de que cuesten caro.

Anticipación — El movimiento preparatorio antes de una acción. Es el primer extremo de la acción que viene: mecánico y direccional, crea contraste con la pose siguiente y no es una emoción nueva.

Appeal — La cualidad de una silueta que hace que el ojo quiera recorrerla. Se logra variando con ritmo las masas grandes, medianas y pequeñas a lo largo del contorno. No es que sea bonita: es que tenga melodía.

Arco / arc — Los movimientos naturales siguen curvas, no líneas rectas: las articulaciones giran alrededor de un pivote y los objetos lanzados siguen parábolas. Un movimiento sin arco se ve mecánico.

Array — Una estructura que guarda varios valores del mismo tipo bajo un solo nombre.

Arte secuencial — La definición de Will Eisner: imágenes ordenadas de forma específica y deliberada para contar una historia. La palabra clave es deliberado.

Aspecto a aspecto — Transición entre imágenes que comparten una idea o un tema, no una acción. Crea atmósfera.

Axioma visual — La regla estética que te pones a ti mismo: lo que entra y lo que no entra en tu sistema.

Balance compositivo — La distribución del peso visual en el encuadre. Lo oscuro, grande o lleno de detalle pesa más; equilibrar o desequilibrar a propósito cambia lo que siente el público ante la imagen.

Balance del cuerpo — La relación entre el centro de gravedad del personaje y su base de apoyo. Si el peso cae fuera de los pies sin una razón, el personaje parece a punto de caerse; si cae siempre al centro, se ve estático.

Beatboard — De 5 a 10 imágenes con los momentos clave de la historia, sin planos definidos ni timing. Es escritura visual: va después de la sinopsis y antes del storyboard.

Blocking — La ubicación y el movimiento de los personajes en el espacio de la escena antes de definir los planos de cámara. También se llama blocking a la primera pasada de una animación con solo las poses clave, y en concept art a la fase de grandes masas y valores, sin detalle.

Bolsas de aire caliente — La estructura interna de una llama: burbujas de gas caliente que nacen en la raíz, crecen, suben y se separan. Son el esqueleto invisible sobre el que se dibuja la silueta.

Breakdown — El dibujo entre dos extremos que define las curvas del movimiento. Es el dibujo de la personalidad: la forma en que un personaje va de un extremo al otro lo hace único.

Brief — El documento corto con las instrucciones del proyecto: qué diseñar, para qué historia, en qué estilo y con qué restricciones. Se lee antes de abrir cualquier software.

Caderas (estado de reposo) — El punto de referencia del reposo: un cuerpo sin energía deja caer las manos alrededor de las caderas. Entre más se alejan las manos de ahí, más tensión proyecta la pose.

Caja pictórica — Pensar el encuadre como una caja con frente, fondo, piso y techo. Ubicar a los personajes dentro de esa caja (adelante, atrás, arriba, abajo) en lugar de sobre una línea plana es lo que vuelve espacial una escena.

Cambio aparente de posición — La definición de animación que usamos en MOMO: la audiencia percibe movimiento porque los dibujos, compuestos en el tiempo, dan esa sensación, aunque nada se mueva de verdad.

Cambio de eje — Pasar la cámara al otro lado de la línea de los 180°. Hecho sin preparación, invierte las direcciones de pantalla; hecho a propósito (con un movimiento visible o un plano neutro) se usa para marcar un giro en la escena.

Caminado — Caminar es lanzarse hacia adelante y ser atrapado por las piernas una y otra vez. Un ciclo de caminado se construye con contactos, recoil, passing y high point.

Carapaz — Programa portable para trazar líneas de fuga sobre fotografías de referencia y encontrar el horizonte y los puntos de fuga. Permite resolver la perspectiva de una escena aunque todavía no sepas dibujarla.

Caricatura — La exageración de la claridad de una física o una acción. No es una física ilógica: exageras la idea para que se entienda mejor, no para inventarla.

Cenital — Ángulo de 90° desde arriba, como una vista de mapa. Sirve para ubicar a los personajes en el espacio.

Ciclo / loop — Animación en la que el último frame conecta con el primero, de modo que puede repetirse indefinidamente sin que se note la costura.

Clase en programación — La plantilla que define qué atributos y métodos tienen los objetos de un tipo.

Clean-up — La línea final y limpia de cada dibujo, trazada sobre el rough o el tie-down. Debe respetar los volúmenes y el movimiento: si el clean-up corrige la animación, la etapa anterior no estaba terminada.

Color script — Herramienta de preproducción que define el color emocional de cada secuencia. No es colorear el storyboard: es decidir la paleta dominante que refleja la intensidad dramática de cada momento.

Complejidad del personaje — Una característica inesperada que contradice la apariencia dominante del personaje y lo vuelve imprevisible y memorable. No es agregar detalles: es agregar una contradicción.

Composición radial — Composición en la que los elementos irradian desde un centro. Concentra la atención en el punto de origen.

Composición visual — El orden consciente de los elementos de una imagen para comunicar algo y guiar la mirada del espectador.

Concepto artístico — La descripción, en una o dos frases, de la experiencia que quieres producir. No describe el código: describe lo que se siente.

Contacto — Todo punto donde un personaje u objeto toca una superficie: pies en el piso, manos en una silla, la pelota contra el suelo. Un contacto plantado no se mueve entre frames; si se mueve, el personaje patina o flota.

Contraarco — Invertir el arco predominante del cuerpo entre una pose y la siguiente para que el cambio de forma sea evidente para el público. Una C que se convierte en C invertida se lee de inmediato.

Contrapicado — Ángulo en el que la cámara mira hacia arriba. El personaje se ve más grande e imponente; entre más extremo, más poder tiene sobre el espectador.

Contraposto — Hombros y caderas inclinados en direcciones opuestas. Viene de la escultura clásica y es lo que da naturalidad y dinamismo a una pose; si hombros y caderas van en el mismo eje, el personaje se ve rígido.

Contraste — La oposición entre dos elementos que conviven en la misma imagen: grande y pequeño, oscuro y claro, movimiento y quietud. Sin contraste todo pesa lo mismo y la imagen no dice nada. En concept art se trabaja en tres tipos: de valor, de color y de densidad de detalle.

Cráneo y mandíbula — La forma más simple de construir una cara para animar: un cráneo sólido que no cambia y una mandíbula que se abre. Los dientes superiores van pegados al cráneo; solo los inferiores se mueven con la mandíbula.

Credibilidad de lo increíble — Lo que animas no tiene que ser real, tiene que ser creíble. Si las reglas físicas que estableces son consistentes, la audiencia cree en cualquier cosa.

Cubo invertido — Técnica para dibujar interiores: imaginar que estás dentro de un cubo y dibujar sus caras interiores.

Cuerpo principal — El elemento al que la audiencia presta más atención y que indica hacia dónde va la acción. Es una decisión compositiva del animador y puede cambiar durante una escena.

Cuerpo secundario — Todo elemento que sigue al cuerpo principal con un desfase: cabello, ropa, cola, accesorios. Su movimiento depende del principal y siempre llega después.

Curvas y rectas — Una regla de lectura del movimiento y del escenario: las curvas se sienten lentas y orgánicas; las rectas, rápidas y mecánicas. Elegir una u otra cambia el carácter de una trayectoria o de una composición.

Cushion — La desaceleración progresiva al llegar a una pose de reposo: entrar suavemente a la pose final, en lugar de pasarse de ella.

Densidad de detalle — La diferencia entre una zona cargada de elementos y una zona de aire. La zona densa atrae el ojo; la vacía lo deja descansar. En el diseño se aplica como 80/20: el 80% se queda simple y el 20% concentra el detalle en el punto focal.

Desfase — El retraso temporal entre las partes de un cuerpo o entre elementos de una escena. En una cadena, lo más lejano del punto de anclaje llega después; nada llega al mismo tiempo.

Dibujo de pensar — Un dibujo que nadie más va a ver pero que te ayuda a resolver un problema: dónde va el peso, qué arco sigue la mano, cómo se ve la escena desde arriba. Hacerlos es parte del trabajo, no un desperdicio.

Discretización — Reducir la resolución de un valor para mejorar el rendimiento o para crear un efecto visual específico.

Diseño estocástico — El principio de que las decisiones pequeñas repiten las grandes: si la boca cae, los hombros también caen; si el pecho se abre, los brazos se abren. La misma idea aparece en escala micro y macro.

Dolly — Movimiento en el que la cámara se desplaza físicamente. El lente no cambia: el sujeto crece o se reduce, pero el fondo conserva su perspectiva. No es lo mismo que el zoom.

Drag — El arrastre que aparece cuando el cuerpo principal cambia de dirección o frena de golpe: los cuerpos secundarios todavía van en la dirección anterior.

Dragonframe — El software profesional de stop motion para computador. Permite controlar por completo la cámara, trazar guías de trayectoria y usar video de referencia.

draw() — La función de Processing que se repite en loop continuo. Todo lo que se anima o se actualiza en tiempo real va aquí.

Ease in y ease out — Las formas en que cambia la velocidad de un movimiento. Ease in: empieza lento y acelera. Ease out: empieza rápido y desacelera. Ease in-out: hace las dos cosas.

Efecto Hitchcock — Combinación de zoom hacia adentro con dolly hacia atrás, o al revés. El personaje mantiene su tamaño mientras el fondo se transforma. Comunica disociación o revelación.

Eje de la onda — La línea central alrededor de la cual oscilan los picos y valles de una onda. Es el punto de no negociación: si el eje se mueve, ya no es una onda sino una trayectoria.

Ejercicio externo hacia adentro — La idea (de Ed Hooks) de que un personaje dibujado no trae nada consigo: todo lo que sabe hacer, sentir o decir se lo pone el animador desde afuera, observando, actuando y traduciendo eso al dibujo.

El artista como diseñador de herramientas — La idea de que el artista no solo usa herramientas: las diseña. Define las reglas, los parámetros y los límites dentro de los cuales opera su sistema.

El espacio como personaje — El principio de que el lugar donde ocurre una escena no es decoración sino información: el orden de un cuarto, la arquitectura de un barrio o los objetos de un escritorio hablan del personaje. Un fondo genérico desperdicia esa oportunidad.

Elipsis — Lo que se omite entre un plano y otro y el público completa por su cuenta. Saber qué no mostrar ahorra trabajo y hace la historia más ágil.

Emociones puras — Una pose de alegría o tristeza simétrica y sin contexto. Funciona como emoticono, no como personaje: para actuar, la emoción necesita desbalance, dirección y una situación.

Encuadre — Lo que queda dentro del rectángulo de la cámara y lo que queda fuera. Decidir el encuadre es decidir qué ve el público, a qué distancia y desde dónde.

Entrada, proceso y salida — La estructura de todo sistema interactivo. La entrada es lo que el sistema recibe (mouse, teclado, MIDI, cámara); el proceso es el algoritmo, donde el artista define las reglas; la salida es lo que produce, casi siempre una imagen o una animación.

Equilibrio y movimiento — Los dos recursos de composición que resumen todas las reglas clásicas. Equilibrio: la imagen se siente estable aunque no sea simétrica. Movimiento: hay un recorrido que lleva el ojo desde un borde hasta el punto focal.

Escena a escena — Transición entre dos escenas distintas, con un salto de tiempo o de lugar considerable.

Escorzo — Una forma que apunta hacia la cámara y por eso se ve acortada: un brazo que señala al espectador o una pierna que avanza. Da profundidad y fuerza a la pose, pero exige construir bien los volúmenes.

Espaciado armónico — Principio según el cual, dentro de un mismo arco, las distancias entre frames deben crecer o disminuir de forma progresiva y nunca oscilar.

Espacio negativo — El espacio vacío entre formas. Entre dos personajes es una forma más de la composición: se estira, se comprime y cuenta la relación; por eso se anima con la misma atención que los cuerpos.

Establishing shot — El primer plano de una escena nueva, que establece dónde y cuándo estamos. Suele ser muy abierto y con personajes mínimos o ausentes, aunque puede ser cualquier encuadre que dé suficiente contexto.

Estructura en tres actos — La estructura narrativa occidental: planteamiento (el mundo y los personajes), nudo (obstáculos y conflicto) y desenlace (resolución).

Extremo — El dibujo en el punto de máxima extensión o de cambio de dirección en el plano. Los extremos definen las mecánicas claras del movimiento; no cambian la historia.

Factor de entretenimiento — El criterio de fondo para evaluar cualquier ejercicio: ¿es interesante de ver? Una animación técnicamente correcta que no entretiene no funciona; una que entretiene perdona pequeños errores.

Flipear — Pasar los frames de una animación manualmente, con los dedos en papel o con el teclado en el software, para sentir el movimiento a tu ritmo antes de verlo en play.

Flujo visual — El recorrido que el ojo hace solo dentro de una imagen, uniendo los elementos como si fueran puntos para conectar. Sin flujo, el ojo se pierde. En cinematografía se trazan los flujos sobre la referencia antes de empezar el blocking.

Follow through — El movimiento que continúa en los cuerpos secundarios (cabello, ropa, cola) después de que el cuerpo principal se detuvo. El cuerpo secundario nunca se detiene antes que el principal.

Formas negativas — Los espacios vacíos al interior de una forma orgánica o entre dos formas. Tienen su propia lógica de movimiento y deben animarse activamente: animar el vacío agrega organicidad.

Formato de encuadre — La proporción del rectángulo de la imagen. Los más comunes son 16:9 (cine y animación digital), 4:3 (televisión clásica) y 9:16 (vertical para celulares).

Frame — Cada una de las imágenes fijas que, mostradas en secuencia, producen la ilusión de movimiento. En un archivo de 24 fps hay 24 frames por segundo.

Frame rate — La cantidad de fotogramas que se muestran por segundo. El estándar del cine es 24 fps. Más fotogramas dan un movimiento más suave; menos fotogramas dan la textura característica de la animación a doses.

Fuerzas opuestas — La tensión que aparece cuando dos elementos del escenario se jalan entre sí: dos personajes que se enfrentan, una forma que empuja contra otra. Es un recurso para cargar de energía una composición quieta.

Gesto — La idea esencial de una pose resumida en pocas líneas: hacia dónde va la energía y qué está haciendo el personaje. Es el alma del dibujo; se construye con claridad, un verbo y una silueta legible.

Gran plano general — El encuadre más abierto: el sujeto es muy pequeño o no se ve. Sirve para establecer geografía, época y escala.

Hand-held — Movimiento de cámara que simula a una persona cargándola. Comunica inmediatez, tono documental o urgencia.

Herramienta de performance — Un sistema interactivo pensado para usarse en vivo, frente a un público. Hay piezas que solo existen plenamente en el performance: fuera de ese contexto son solo un programa.

High key y low key — El nivel general de luz de una imagen: high key es globalmente clara; low key, globalmente oscura. Combinado con el contraste define el tono emocional.

Historia anecdótica — Una historia que cuenta eventos pero no muestra quiénes son los personajes ni por qué importa lo que les pasa.

Historia que conecta — Una historia que muestra quiénes son los personajes y por qué importa lo que les pasa. La diferencia con una anecdótica no está en la trama sino en la profundidad de los personajes y en los detalles específicos.

Hoja de exposición — La tabla en la que se anota qué dibujo va en cada frame, en qué capa y con qué diálogo. Así indicaban los animadores pre-digitales los tiempos al camarógrafo; hoy la línea de tiempo cumple la misma función.

Hold — Una pose que se mantiene quieta durante varios frames. Bien dibujada, sostiene un momento narrativo y le da tiempo a la audiencia para leer lo que pasa.

Imanes de neodimio — Imanes pequeños y muy potentes (en el taller, de 4×2 mm) que se ponen en la cara de la marioneta para que los ojos y la boca sean intercambiables.

Impact frame — Un frame de deformación exagerada que dura 1 o 2 frames en el instante de un impacto. Da sensación de fuerza; muy usado en la animación de Warner Bros. y en el anime.

In-between — El dibujo que completa el movimiento entre dos poses. Funciona mejor cuando se proyecta hacia donde va la acción en lugar de quedar exactamente en la mitad.

Instancia — Un objeto concreto creado a partir de una clase. Cada instancia tiene su propio estado.

Intención artística — La respuesta a la pregunta: ¿qué quiero que sienta quien interactúa con mi obra? Es el criterio para todas las decisiones técnicas.

Inyección y descarga de energía — Toda acción requiere inyectar energía (la anticipación y el impulso) y luego descargarla de forma progresiva (la recuperación). Una descarga demasiado rápida rompe la credibilidad del peso.

Isométrico — Vista de planta en perspectiva que muestra dónde están los personajes, la cámara y los elementos clave de la escena. Se hace antes del storyboard y define el eje de los 180° antes de dibujar los planos.

Jerarquía articular — El orden en que se mueven las articulaciones de una cadena: el segmento más cercano al cuerpo lidera y los siguientes llegan con un pequeño retraso. Ese desfase da la ilusión de peso; sin él, el brazo parece una varilla rígida.

Jerarquía visual — El orden de importancia de los elementos dentro del encuadre. Se construye con contraste de tamaño y de valor, con la posición en los puntos de tensión o con el aislamiento. Decide adónde mira el espectador en el primer segundo.

Key — El dibujo que cambia la historia: define una acción nueva que se puede describir con un verbo. Es la unidad narrativa mínima de la animación.

Keyframe de concept art — La imagen clave que resume cómo se va a ver una escena importante: mood, paleta, composición y lenguaje visual. No es una ilustración final, sino una herramienta para que el equipo de storyboard y layout entienda la escena.

Ki-sho-ten-ketsu — Estructura narrativa japonesa en cuatro partes: planteamiento (ki), desarrollo (sho), giro inesperado (ten) y desenlace (ketsu). No necesita conflicto: lo que mueve la historia es el giro.

La S en el cambio de dirección — La forma que toma una tela o un cabello cuando el cuerpo principal cambia de dirección: la parte de arriba ya va en la nueva dirección y la de abajo todavía no. El cambio abre la S, no la destruye.

Las cuatro etapas del dibujo — El orden de construcción de un dibujo animado: gesto, volumen, modelo y detalles. Saltarse etapas (empezar por los ojos o la ropa) produce dibujos bonitos que no se mueven.

Las historias como fractales — El principio de que los mismos mecanismos (contraste, jerarquía, ritmo) funcionan en todos los niveles de una historia: el plano, la escena, el acto y la película completa.

Layout — El dibujo que define el espacio de un plano: dónde está la cámara, el fondo, el horizonte y por dónde se moverán los personajes. Es el mapa sobre el que se anima.

Leading edge — El lado activo de la silueta, el que guía la mirada del espectador, frente al lado pasivo que la sostiene. Decidir cuál es cuál dirige la atención sin que el público lo note.

Lenguaje de formas — El sistema de tres formas básicas que comunican emociones antes que cualquier detalle: el cuadrado dice estabilidad y robustez, el círculo ternura y amabilidad, el triángulo velocidad y peligro. Se aplica a personajes, props, escenarios y planos.

Line test — Reproducir los dibujos sin color a velocidad real para revisar el movimiento. Es la versión digital de flipear el papel y el momento de corregir timing antes de limpiar.

Línea de acción — La línea imaginaria que recorre el cuerpo y resume la dirección de la fuerza de una pose. Debe ser continua: si se rompe, la energía se proyecta hacia donde no ocurre la acción.

Línea de tiempo — La zona del software donde se ordenan los frames y las capas en el tiempo. Ahí decides cuánto dura cada dibujo y en qué orden aparece.

Línea horizonte — La línea que marca la altura de los ojos del espectador o de la cámara: ahí convergen los puntos de fuga, y su posición en el encuadre equivale al nivel de cámara. En animación sirve además para mantener las alturas (si corta al personaje sobre las rodillas, debe cortarlo ahí en todos los frames). En concept art, en interiores o paisajes cerrados, es el quiebre entre lo horizontal y lo vertical más lejano.

Lipsync — Sincronizar todo el gesto con el audio: cuerpo, cara, manos y boca. El cuerpo habla primero y la boca confirma; si el lipsync se entiende sin ver las bocas, está bien hecho.

Log de proceso — Un registro de qué intentaste, qué funcionó y qué no en cada versión de un ejercicio. Te deja ver tu propio avance y evita repetir los mismos errores.

Loops desfasados — Técnica para dar vida a una pose: el cuerpo principal y los elementos ligeros (cabello, ropa) se animan en ciclos que cierran en frames distintos, para que nada llegue al mismo tiempo.

Los 12 principios de la animación — El vocabulario técnico que Frank Thomas y Ollie Johnston sistematizaron en The Illusion of Life (1981) a partir de décadas de animación en Disney.

Mancha — Exploración con formas llenas, sin línea ni detalle, para buscar el peso, el contraste y la masa de una composición o la lectura de una silueta. En el método de Marcos Mateo (Framed Ink) va antes del dibujo figurativo; en concept art es la primera fase del diseño.

map() — La función de Processing que traduce un valor de un rango a otro.

Marcos de referencia — Elementos que el animador agrega para que la audiencia pueda comparar: nada es pequeño sin algo grande al lado, ni lento sin algo rápido.

Máscara de ojos — La zona de cejas, mejillas y escleras pensada como una sola unidad. Mientras la mandíbula se ocupa de las vocales, la máscara de ojos lleva el tono emocional de la línea.

Masilla epóxica — Material de dos componentes que se mezclan y endurece en unas tres horas. Se usa para construir las manos de la marioneta y fijar el cráneo al alambre del cuello.

Materialidad — La pregunta que te haces antes de la primera foto: ¿qué es este objeto? Blando o duro, pesado o liviano, elástico o rígido. La respuesta decide cómo se deforma, cómo cae y cómo rebota, y se comunica con el timing y el spacing.

MediaPipe — El framework de Google para visión por computador. Detecta y sigue en tiempo real puntos de la cara, las manos y el cuerpo.

Método en programación — Una función que pertenece a una clase y define lo que puede hacer un objeto de ese tipo.

MIDI — El protocolo que conecta instrumentos y controladores musicales con software. En los sistemas generativos se usa como entrada.

Modo Pitch — Modo de presentación de Storyboard Pro que oculta los menús de edición. Suele activarse por accidente; se sale en Ventanas › Zona de trabajo › timeline workspace.

Momento a momento — Transición entre dos instantes muy cercanos en el tiempo. Expande el tiempo, como una cámara lenta narrativa.

Momentum — La fuerza que tiene algo en movimiento, producto de su peso y su velocidad. Un objeto ligero muy rápido puede tener menos momentum que uno muy pesado y lento.

Moodboard — Una colección de referencias visuales que captura la estética y la atmósfera a la que apunta un proyecto.

Movimiento monoconstante — Movimiento a velocidad fija: todos los dibujos están a la misma distancia entre sí. Se percibe mecánico y es útil cuando quieres justamente eso.

Moving hold — Una pose que se sostiene sin congelarse: respiración, pequeños ajustes y cuerpos secundarios que se asientan la mantienen viva sin cambiar su lectura.

Nadir — Ángulo de 90° desde abajo. Se usa poco porque es difícil de leer y da poca referencia espacial.

Nivel de cámara — La altura física de la cámara, independiente del ángulo. A la altura de los ojos es neutra; a la altura de las rodillas el mundo se vuelve amenazante; desde el piso da un punto de vista infantil o extremo. En perspectiva coincide con la línea del horizonte.

noise() — Genera ruido Perlin: una variación suave y continua en la que valores de entrada cercanos producen valores de salida cercanos. Se ve más orgánico que random().

Non sequitur — Transición entre imágenes sin relación lógica evidente. Se usa para la abstracción, la ambigüedad o la poesía visual.

Objetivo dramático — Lo que el personaje quiere conseguir en la escena o al decir una línea. Ese objetivo decide el cuerpo, las pausas y la palabra que se acentúa.

Ojo de pez — Perspectiva con cuatro o más puntos de fuga en la que las líneas se curvan. Produce una distorsión extrema que se usa como recurso expresivo.

Onda — Movimiento en el que picos y valles viajan a lo largo de un eje. Es la base para animar agua, humo, llamas, telas, cabello y colas.

Over the shoulder — Plano en el que vemos a un personaje en foco desde detrás del hombro de otro. Es un solo plano y solo se nombra al personaje en foco.

Overlap — El momento en que dos partes del mismo cuerpo van en direcciones opuestas durante un cambio de dirección: el cuerpo principal ya va en la nueva dirección y el secundario todavía en la anterior.

Overlay — Modo de fusión de capas que aclara los claros y oscurece los oscuros sin tocar los medios. Se usa para sumar luz cálida sobre valores ya resueltos sin destruir la estructura tonal.

Overshoot — Cuando un cuerpo va un poco más allá de su posición final antes de asentarse en ella. La energía del movimiento no se detiene de golpe.

Paneo — Movimiento de rotación horizontal de la cámara sobre su propio eje.

Papel cebolla — Función del software que muestra los frames anteriores y siguientes semitransparentes mientras dibujas. Útil para ubicar poses y limpiar línea; usarlo para trazar intermedios vuelve la animación rígida.

Parallax — La sensación de profundidad que se logra moviendo las capas de un fondo a velocidades distintas: lo cercano se desplaza rápido y lo lejano despacio.

Partículas — Pequeños elementos que se desprenden de un cuerpo (chispas, gotas, polvo). Una vez que salen, su única dirección es hacia afuera; nunca vuelven al cuerpo principal.

Passing — El momento del caminado en que la pierna libre pasa junto a la de apoyo. La pierna de apoyo está estirada y empuja el tronco hacia arriba, así que es uno de los puntos más altos del ciclo, no el más bajo.

Péndulo — Un cuerpo que oscila alrededor de un pivote siguiendo un arco. Brazos y piernas funcionan como cadenas de péndulos, y por eso son la base de la animación del cuerpo.

Perspectiva atmosférica — Lo lejano se ve más claro, menos saturado, con menos contraste y menos detalle que lo cercano, porque el aire filtra la imagen. Da profundidad sin construir puntos de fuga.

Perspectiva de 1 punto — Perspectiva con un solo punto de fuga en el horizonte. Funciona para espacios vistos de frente: corredores, calles rectas.

Perspectiva de 2 puntos — Perspectiva con dos puntos de fuga en el horizonte, normalmente fuera del encuadre para que se vea natural. Funciona para espacios vistos en ángulo.

Perspectiva de 3 puntos — Dos puntos de fuga en el horizonte y un tercero por encima o por debajo. Da la sensación de ver desde muy abajo o desde muy arriba.

Perspectiva lineal — Convención que simula profundidad haciendo converger las líneas paralelas en puntos de fuga sobre el horizonte. Es una ilusión óptica que el cerebro acepta como espacio.

Peso — En animación, el peso se percibe por el timing de recuperación: cuantos más frames tarda un objeto en volver al reposo después de una perturbación, más pesado parece.

Photobashing — Técnica que recorta y monta fotografías reales sobre un dibujo para obtener texturas, luz y volumen. Es un atajo cuando hay poco tiempo; no reemplaza el fundamento.

Picado — Ángulo en el que la cámara mira hacia abajo. El personaje se ve más pequeño y vulnerable; en picado extremo se vuelve insignificante.

Picos y valles — Los puntos de máxima amplitud de una onda, alternados a ambos lados del eje. Salen de forma intercalada, nunca al mismo tiempo, y ninguna parte de la curva se queda quieta ni se devuelve.

Pie de apoyo — El pie que sostiene el peso en cada momento del caminado. Mientras está en el piso no se desliza: queda plantado frame a frame aunque el cuerpo avance sobre él.

Pieza vs. obra — Una distinción que parte de Byung-Chul Han: una pieza es un resultado técnico cerrado; una obra abre preguntas y produce experiencia. Es la diferencia entre resolver un problema y abrir una pregunta.

Pipeline — El orden de etapas de una producción animada: idea, storyboard, animatic, layout, animación (rough, tie-down, clean-up), color y composición. Respetar el orden evita rehacer trabajo.

Pivote — El punto alrededor del cual gira algo: el hombro para el brazo, la cadera para la pierna o el punto de choque desde el que sale despedido un personaje.

Planimetría — Vista de planta con proporciones técnicas exactas. Es más precisa que el isométrico, pero más abstracta y difícil de leer para artistas sin formación técnica.

Plano americano — Encuadre que corta al personaje un poco por encima de las rodillas. Nació en el western para mostrar el arma en la cadera. Deja ver la acción de manos y cuerpo. Nunca se corta justo en la articulación.

Plano detalle — Encuadre de un detalle específico: un objeto, una textura, una parte del cuerpo. Da información clave o muestra lo que define al personaje.

Plano general — Plano abierto en el que el cuerpo entero del personaje es visible y el lugar tiene protagonismo. Muestra la acción corporal completa y sitúa al personaje en su espacio.

Plano medio — Encuadre que corta a la altura del torso. Es el más común en conversaciones: muestra reacciones y acción de brazos.

Plano subjetivo — La cámara representa la mirada de un personaje: el espectador ve exactamente lo que ese personaje ve.

Plate — Una foto del fondo sin el objeto ni el rig, tomada antes de empezar a animar. Es indispensable para borrar el rig en postproducción.

Pliegues — Las líneas que forma una tela al ser jalada. Todo pliegue converge hacia el punto de tensión más cercano y cuenta la historia del movimiento.

Porcelanicrón — Arcilla que seca al aire. Se usa para dar volumen a los huesos del esqueleto, nunca en las articulaciones.

Pose a pose — Método de animación en el que se planean primero las poses clave, se ubican en la línea de tiempo y después se completan los dibujos intermedios.

Poses del ciclo de caminata — Las cinco poses clave de una caminata: contact (los dos pies en el piso), down (rodilla flexionada, punto más bajo), passing (pierna libre en la mitad del paso), up (talón trasero arriba, punto más alto y de mayor desbalance) y un segundo contact con las piernas invertidas. La cadera siempre avanza; nunca retrocede.

Presentación vs. representación — Una distinción de Boris Groys: representar es mostrar algo que ya existe; presentar es hacer visible tu propia subjetividad en tiempo real. El performance es presentación.

Primer plano — Encuadre de la cara y los hombros. Es el plano de las emociones y de la intimidad del personaje.

Primerísimo primer plano — Plano que muestra solo los ojos y la zona más cercana del rostro. Crea una intimidad extrema y se reserva para los momentos de mayor carga emocional.

Profundidad — La ilusión de espacio en una imagen plana. No depende solo de los puntos de fuga: el solapamiento, el tamaño relativo, la altura en el cuadro y el contraste también la construyen.

Profundidad de campo — Cuánto del espacio está en foco. En campo profundo todo se ve nítido; en campo reducido solo el sujeto, con el fondo desenfocado. En el storyboard se indica con distintos niveles de detalle.

Programación orientada a objetos — Una forma de organizar el código en objetos que tienen datos (atributos) y comportamientos (métodos).

Prop — Cualquier objeto con el que el personaje interactúa: una silla, una taza, una mesa. Un prop exige contactos claros y una distribución de peso creíble; también sirve como punto de interés en la escena.

Proporción áurea — Estructura compositiva basada en la relación 1:1,618, presente en la naturaleza. A diferencia de los tercios, divide el espacio de forma irregular y produce composiciones más orgánicas.

Punto cero — El punto de una trayectoria donde la velocidad llega a cero porque el movimiento cambia de dirección, como la cresta de un rebote. Necesita dibujos acumulados.

Punto de anclaje — El punto fijo al que está unida una tela o un cabello. No se puede mover: es el punto de tensión hacia el que convergen todos los pliegues.

Punto de fuga — El punto sobre la línea del horizonte donde convergen las líneas paralelas en perspectiva.

Punto de interés — El lugar del encuadre al que debe mirar el público en cada momento. Miradas, curvas del cuerpo, contactos y contraste deben apuntar ahí; si todo pide atención, nada la recibe.

PureRef — Programa gratuito para organizar referencias visuales en tableros. En el taller se arma con tres paneles: el objeto real, el estilo artístico deseado y el universo del proyecto.

Raíz de ignición — El punto en la base de una llama donde nace el fuego. Se anima en su propia capa y de ahí salen las bolsas de aire caliente.

random() — Genera un número al azar en cada llamada. Los valores no siguen ningún patrón.

Rebote — El ejercicio que reúne timing, spacing, trayectoria y materialidad en una sola acción. La trayectoria es un arco elíptico, no un triángulo: en la cresta los cuadros se acumulan, en el impacto hay squash y en el punto de mayor velocidad hay stretch.

Reel — Un video corto con tus mejores trabajos de animación. En MOMO se consolida al final del taller con 4 o 5 ejercicios terminados; menos piezas y mejores pesan más que muchas a medias.

Refactorización — Reorganizar el código sin cambiar lo que hace, para que sea más legible y fácil de mantener.

Referencia vs. instancia — Una referencia apunta al mismo objeto en memoria: si cambias uno, cambian todos. Una instancia es un objeto independiente. Copiar una referencia no copia el objeto, copia el puntero.

Regla de 3 — El cerebro agrupa los elementos de a tres. Para que un diseño sea dinámico, tamaños, distancias, valores y planos de profundidad deben variar en tres grupos claramente distintos: grande, mediano y pequeño. Dos iguales se fusionan; cuatro se agrupan en pares.

Regla de los 180° — Una línea imaginaria que une a dos personajes en escena. Mientras la cámara se quede de un mismo lado, cada uno mira siempre hacia el mismo lado de la pantalla; si la cruza sin motivo, el público se desorienta.

Regla de tercios — Dividir el encuadre en tres partes horizontales y tres verticales. Los cruces de esas líneas son zonas fuertes para ubicar el momento de mayor interés de una acción.

Repositorio colaborativo — Un espacio compartido donde todos suben su código y sus resultados, construyendo la memoria colectiva del taller.

Rig — El soporte o brazo que sostiene al personaje cuando está en el aire, en saltos o vuelos. Se borra en postproducción usando el plate.

Ritmo — El patrón predecible de los tiempos en una secuencia de movimientos. El ritmo identifica a los personajes: dos diseños iguales se distinguen por cómo usan el tiempo.

Ritmo narrativo — La relación entre el tiempo que se muestra y el que se suprime. Se controla con el tipo de transición y la duración de los planos.

Rotoscopia — Calcar un video real frame a frame. Se usó desde Betty Boop y Blancanieves, pero copiar el movimiento real no produce animación natural: sin exageración ni selección de poses, el resultado se ve flotante.

Rough — Las etapas en sucio que ayudan a entender el movimiento antes de formalizar nada. Su objetivo es capturar rápido una idea con bocetos, trayectorias o formas simples.

Rueda de emociones — Un mapa que parte de las seis emociones universales (alegría, tristeza, ira, miedo, sorpresa, asco) y las abre en sentimientos más específicos. Sirve para pasar de “está triste” a “está decepcionado de sí mismo”.

Secuencialidad — El principio de que las cosas pasan una después de otra, no al mismo tiempo. Ordenar las acciones en secuencia permite que el público entienda qué causa qué.

Segundo valor — Un gris intermedio que se pinta sobre la silueta negra para separar las masas del cuerpo (el torso del cinturón, el brazo del cuerpo) y mejorar la lectura sin recurrir a la línea.

setup() — La función de Processing que corre una sola vez al iniciar el programa. Ahí se definen el tamaño del lienzo y los valores iniciales.

Shooting master — El nombre del storyboard en publicidad. Es el mismo concepto con mucho más detalle, porque lo leen clientes y no un equipo de producción.

Silueta — La forma exterior de un personaje, objeto o escenario vista como una sola mancha, sin líneas internas. Si la pose o el diseño se entienden en negro sólido, se entienden en cualquier plano; si no, la línea no los va a salvar.

Sistema algorítmico — Un sistema que genera comportamientos complejos a partir de reglas simples, sin necesitar una entrada interactiva en tiempo real.

Sistema generativo — Un sistema capaz de producir formas, composiciones o comportamientos ordenados de manera espontánea, a partir de reglas simples y variación de parámetros.

Sistema interactivo — Un sistema que recibe una entrada, la procesa con un algoritmo y produce una salida que cambia según esa entrada. Es el paradigma base del taller de código creativo.

Smear — Un dibujo de deformación exagerada, de 1 o 2 frames, que estira la forma en el punto de máxima velocidad para comunicar rapidez. Si dura más, el truco se nota.

Solapamiento — Una forma que tapa parte de otra queda por delante. Es la pista de profundidad más poderosa, pero entre dos personajes conviene usarla con cuidado: si las siluetas se mezclan, ya no se lee quién hace qué.

Spacing — La distribución de los dibujos en el espacio a lo largo de una trayectoria. Dibujos juntos se leen lentos; dibujos separados se leen rápidos.

Squash and stretch — La deformación del cuerpo durante el movimiento: se aplasta en el impacto y se alarga en la velocidad máxima. El volumen total debe mantenerse constante.

Stagger — Técnica de timing en la que se avanza y retrocede entre dibujos ya existentes (del 3 al 5, de vuelta al 4, al 6…) para crear una vibración, como un esfuerzo que falla o una energía que se carga una y otra vez.

Staging — Uno de los doce principios: presentar una idea de forma que el público la entienda sin ambigüedad. Implica elegir plano, pose, silueta y el momento en que ocurre cada acción.

Stop Motion Studio — La app para celular (iPhone y Android) que se usa en el taller de stop motion. La versión gratuita alcanza para los primeros módulos; la Pro agrega video de referencia.

Storyboard — La historia contada en viñetas plano a plano antes de animar. Define encuadres, acciones y continuidad, y es el primer lugar donde se prueba si la historia se entiende.

Storyboard Pro — El software profesional de Toon Boom para storyboard de animación. Es vectorial, exporta a Harmony y es el estándar de la industria.

Straight ahead — Método de animación en el que se dibuja frame a frame en orden cronológico, descubriendo el movimiento mientras se hace, sin planear antes las poses clave.

Subtexto — Lo que la imagen dice sin palabras: intenciones que se notan en el movimiento y en el lugar donde queda cada personaje. La posición final de un personaje en la composición puede ser una declaración narrativa.

Sujeto a sujeto — Transición dentro de la misma escena en la que el encuadre pasa a otro sujeto.

Superestructura emergente — Un patrón de orden superior que aparece cuando muchos objetos simples interactúan, sin que ninguno lo controle ni lo haya programado. Es lo que se ve cuando el sistema se mira desde arriba.

SVG — Formato de gráfico vectorial escalable que se puede importar en Processing. Conviene optimizarlo con Inkscape antes de usarlo.

Take — La reacción exagerada de sorpresa de un personaje: se comprime en anticipación, se estira de golpe y se asienta. Viene del cartoon clásico (Tex Avery) y sigue vivo en series como Bob Esponja.

Tangencia — Error compositivo en el que un elemento toca, sin cruzarlo, el borde del encuadre u otra forma. Crea una tensión involuntaria; los elementos deben quedar claramente dentro o claramente fuera.

Technical artist — El perfil profesional que une un dominio técnico profundo con la comprensión artística. Trabaja en cine, videojuegos y performance.

Técnica sin concepto — La idea, derivada de Marx, de que la técnica solo vale cuando transforma la materia con un propósito. Sin un concepto claro, la técnica se reduce a fuerza bruta.

Tensión — La energía acumulada entre dos puntos que se jalan. En animación tiene tres sentidos: la tensión física de una cuerda o un músculo, la tensión visual entre formas y la tensión gráfica de una línea estirada.

Tensión compartida — La tensión que se reparte entre dos personajes o entre un personaje y un objeto, como si los uniera una cuerda invisible. Bill Tytla la usó en Fantasía: cuando uno se mueve, el otro lo siente.

Tensión visual — Los puntos de la imagen donde la mirada se detiene o se acelera. Su contraparte son las áreas de reposo, que dejan descansar al ojo.

Textura del movimiento — La composición de todos los ritmos simultáneos de una escena: el personaje, sus cuerpos secundarios, otros personajes y la cámara. En conjunto generan la impresión audiovisual de la escena.

Thumbnails — Bocetos pequeños y rápidos, de 20 a 30 segundos cada uno, para explorar composiciones, poses o ideas antes de comprometerte con un diseño. En esta etapa importa la cantidad más que la calidad.

Tie-down — La etapa en que el rough se ajusta al modelo del personaje: proporciones, volúmenes y detalles correctos, sin cambiar el movimiento aprobado.

Tilt — Movimiento de rotación vertical de la cámara sobre su propio eje.

Time chart — Una representación visual de cómo se distribuyen los frames entre dos poses. Permite planear el timing y el spacing antes de dibujar los intermedios.

Timing — Cuánto dura una acción: el número de frames que le das a algo para que ocurra. Junto con el spacing, es el concepto más fundamental de la animación.

Tipos de transición — Las seis formas de pasar de una imagen a la siguiente que describe Scott McCloud en Understanding Comics: momento a momento, acción a acción, sujeto a sujeto, escena a escena, aspecto a aspecto y non sequitur.

Trayectoria — El recorrido que hace un punto de un objeto o personaje a lo largo de una animación. Se dibuja antes que el objeto para planear el spacing.

Tres valores — El sistema de blocking de John Park: tres capas enmascaradas de oscuros, medios y claros, elegidos con el histograma de la referencia y no a ojo. Cada capa se corrige sin tocar las demás, y la imagen se sostiene aun desaturada.

Tríada de Delsarte — Una lectura del cuerpo en tres zonas: lo emocional en el tronco, lo mental en la cabeza y lo físico en piernas y manos. El pecho es el teatro del personaje: abierto, hundido o girado, dice qué siente.

Valores de plano — El sistema de encuadres que define cuánto del sujeto y del espacio se ve, siempre en relación con el cuerpo humano: gran plano general, plano general, plano americano, plano medio, primer plano, primerísimo primer plano y plano detalle. Cada valor cuenta algo distinto: acercarse da intimidad, alejarse da contexto.

Variable en programación — Un contenedor con nombre que guarda un valor que puede cambiar.

Vectores de dirección — Las flechas que describen hacia dónde y con qué fuerza se mueve algo. En un rebote, la trayectoria de salida es la suma del componente horizontal y el vertical invertido.

Vista 3/4 — La orientación del personaje respecto a la cámara, ni de frente ni de perfil, a unos 45°. No es un ángulo de cámara. Es la vista que más información da del personaje.

Vocales cardinales — Las posiciones de boca básicas para el lipsync: A, E, I, O/U, la S con dientes, la M cerrada y la L o R con lengua. Con pocas bocas bien elegidas se resuelve casi cualquier diálogo.

Volúmenes — Las formas geométricas simples (esferas, cilindros, cajas) con las que se construye un personaje sobre el gesto. Pensar en volúmenes permite rotarlo y deformarlo sin que cambie de tamaño.

Yonkoma — Tira cómica japonesa de exactamente cuatro viñetas en vertical, con estructura ki-sho-ten-ketsu. Es el ejercicio ideal para empezar a pensar en secuencia con el mínimo de imágenes.

Zoom — Movimiento interno del lente: la cámara no se mueve, y el fondo se comprime o se expande junto con el sujeto.

¿Quieres aplicar estos conceptos con acompañamiento en vivo?